作为引领北京乃至中国歌剧舞台风向的北京国际音乐节今年将再度引进国内前所未有的歌剧制作，那就是10月23日将于保利剧院上演的《切肤之痛》半舞台版。《切肤之痛》是英国当代作曲家乔治·本杰明的扛鼎之作，创作于2012年，首演于法国普罗旺斯-艾克斯音乐节，在此之后六年，这部歌剧在欧美古典音乐舞台刮起了一阵旋风，席卷各大音乐节和歌剧院。

火遍欧美一线音乐节和歌剧院的神作

《切肤之痛》的首演获得巨大成功之后，六年内又持续上演了80多次，除了首演的艾克斯音乐节制作版本，英国皇家歌剧院和美国费城歌剧院的制作也被乐迷们津津乐道，虽然演出阵容一直在变化，但对音乐的演绎和表演的部分都不脱出乔治·本杰明的框架和马丁·克里普创作的脚本，而且，对于不同的制作，媒体和乐评人们都给出了高度评价。

英国乐评人鲁伯特·克里斯坦森（Rupert Christiansen）甚至说：“如果这不是一部现代音乐的经典，我就吃下我的帽子。”是什么样的作品能让以刁钻刻薄着称的乐评人发此毒誓呢，在英国皇家歌剧院对他的采访中，乔治·本杰明说他创作这部歌剧时经历了“非人类”的考验：“在我创作《切肤之痛》的两年半里，我的存在就是为了创作它，我每天只做这一件事”。

黑暗与暴力主题揭示人性的复杂

《切肤之痛》的灵感来源于一个十三世纪的传奇故事。加泰罗尼亚的一位游吟诗人与一位当地贵族的夫人走到了一起，这位贵族在发现奸情之后，将游吟诗人的心脏挖了出来，喂给自己的妻子吃。

在歌剧中，作曲家将故事稍作改编：一位残酷的地主(守护者)邀请一位年轻的艺术家（男孩）到他的城堡为他写一本书，他的妻子艾格尼丝渐渐沉迷于男孩的才华并且最后选择了追求真爱。地主杀死了男孩，也将他的心脏喂给了自己的妻子。当艾格尼丝意识到自己已经吃掉了爱人的心之后，她宣称自己从未尝过更美味的食物。这是一部以激情，嫉妒，压迫和暴力为主题的黑暗歌剧，但也蕴含着希望和解放的意味。 故事结尾女主角对丈夫残暴行为的抵抗，使得这部歌剧绝对适合这个父权社会受到质疑的时代。

好评如潮背后的创新和探索

“爱情不是一张照片，而是一幕剧。”（“Love is not a picture: Love is an act.”）在歌剧第一部分的结尾，艾格尼丝对男孩如是说。这是一句意味深长的话，既影射了陷入爱情时的复杂心理，也暗示了这部歌剧的艺术表现手法。基于马丁·克林普创作的歌剧剧本，演出中歌唱家们在推动剧情发展的同时也会评论自己的言论和行为。这就刻意不要求观众有代入感,以艺术手法告诉观众这故事的一切都是虚构的，在这种前提下， 尽可能降低对观众造成的精神冲击，但也保留了故事原始的情感冲突。

玻璃琴和古大提琴焕发新生

《切肤之痛》的另一大亮点就是对古乐器的使用。对此领域有所了解的朋友一定会对歌剧中如何融入古老的音色感到好奇。玻璃琴是美国著名科学家、社会活动家、音乐家本杰明·富兰克林发明的擦奏体鸣乐器。通过手指沾水摩擦玻璃发出声音，音色如水银泻地。但这种乐器多用于室内乐的创作，在大编制的乐队中很难获得一席之地。古大提琴是大提琴的前身，又叫腿式维奥尔琴。因其柔和的音色以及有限的音量, 古大提琴在十七世纪之后难以适应编制扩大的乐团和露天演奏。然而，乔治·本杰明在《切肤之痛》中用现代音乐的技法赋予了这两种古老乐器以新生。在本次北京国际音乐节制作的半舞台版中，玻璃琴将由弗里德里希·海因里希·克恩演奏，古大提琴将由罗米娜·丽诗卡演奏。

值得一提的是，《切肤之痛》开演前放映了一部特别采访纪录片，影片作为独家视频采访，向观众呈现了一场与《切肤之痛》作曲家乔治•本杰明的对谈。观众可以领略到作曲家的创作肌理和他早期受到的影响。这也是拿督黄纪达基金会再次与北京国际音乐节联手打造的“对话”系列大师课第三期。拿督黄纪达基金会主席铃玳爵士夫人说：“作为乔治•本杰明的挚友，我很高兴这部歌剧能在北京国际音乐节进行亚洲首演，也非常荣幸能够参与其中，并为大家呈现其创作背后的故事。大师课能够帮助观众更好地理解这部歌剧的复杂性。同时我希望大师课这个项目可以启发更多的人去关注他的作品，追随他的创作脚步。”

北京国际音乐节一直以来都是国内古典音乐最新潮流的风向标，长期致力于展示世界最前沿的音乐创作动向，自开创以来就不断引进最先锋的舞台制作，给中国的古典音乐爱好者和从业者带来最新的视听冲击,颠覆以往的认知。从欧洲到中国，北京国际音乐节始终在引领国内古典音乐的新潮流。